児島善三郎は、昭和期に活躍した洋画家です。
1893年、福岡県福岡市の紙問屋に生まれました。
中学生の頃から油絵に熱中し、頻繁に写生に出かけていたそうです。また校内で絵画同好会「パレット会」をつくり、中心メンバーとして活躍しました。この同好会には、のちに洋画家となる中村研一や中村琢二も所属していました。
1912年に長崎医学専門学校薬学科に入学しますが、画家を志して翌年上京します。東京美術学校受験のため本郷洋画研究所に一時学びましたが、正規の美術教育機関には進まず、その後は独自に研鑽を重ねました。
1915年頃、過労から結核を患い、療養のため故郷福岡に戻ります。約5年間に及ぶ療養期間は、制作は限られていたと考えられています。
回復後は、画家になるため再び上京しました。
1921年、二科展に出品し初入選を果たし、翌年の二科展では二科賞を受賞し、一躍画壇に躍り出ました。
1925年からは宿願であった欧州留学を果たし、約4年間にわたりパリを拠点に、イタリア、スペイン、ベルギーなどを巡り、様々な西洋の古典絵画に親しみました。
当時の流行に流されることなく、人体の立体感や重量感の表現を基礎から身に着け、滞在中もギリシャ彫刻を思わせる量感あふれる裸婦など、西洋絵画の基本を踏まえた作品を多く残しています。
帰国後は、西洋美術の伝統を踏まえつつも単なる模倣に留まらず、日本人の感性に即した「日本人の油絵」を描くことを目標に制作に励みました。
1930年には里見勝蔵や林武らと、日本人の美感に根ざした新しい洋画の創出を目指し、「独立美術協会」を設立しました。設立後は、中心的作家として発展に尽くすと共に多くの作品を制作しました。
その画風は、欧州で習得した油絵の基本的な造形の骨格など堅実な造形力を基盤に、桃山美術や琳派を想起させる装飾的で豊かな色彩、そして力強い線描や大胆なデフォルメを取り入れた、独自の画風を確立しました。
伊東久重は、江戸時代より続く御所人形制作の名跡として知られています。
伊東家は皇室の慶事に用いられる御所人形を制作する「有職御人形司」として活躍しており、現在にいたるまで代々襲名されてきました。
「御所人形」は江戸時代に京都を中心に発展した日本人形の一種で、公家や将軍、大名など上層階級への贈答品や調度品として用いられました。稚児の姿をもとに吉祥的な意味を込めて理想化された造形が特徴で、なめらかで艶のある白い肌、ふくよかな顔立ち、頭部を大きく強調した三頭身前後の体形などにその特色が見られます。
伊東家はもともと「桝屋庄五郎」の屋号を代々継承し、京都で薬種商を営んでいました。
その後、享保年間（1716年～1736年）に初代 庄五郎が「御人形細工師」を名乗るようになり、祇園祭の山鉾に用いられる人形や「草刈童子」などの御所人形を手がけたことで高い評価を得ました。
さらに1767年には、三世 庄五郎が後桜町天皇より宮中御用を許され、「有職御人形司 伊東久重」の名を賜ります。これを契機として、伊東家は現在へと続く御人形司としての確かな地位を確立していきました。
以降、四世から十一世にかけての詳細な記録は多く残されていませんが、十二世は国内外で多数の展覧会を開催するなど、活動の場を広げています。
伊東家は初代 庄五郎の頃より一貫して木彫による制作を続けており、素材には30年以上乾燥させた桐の木が用いられています。そして彫刻の後に胡粉を何層も塗り重ねることで、白い肌に奥行きのある艶を与えています。
この工程をおよそ1年～3年という長い時間をかけて丁寧に行うことにより、作品全体の格調の高さがより一層際立つのです。
こうした技法や理念は代々の襲名とともに受け継がれ、伊東久重の名跡を今に伝えています。
梁川剛一は、日本の彫刻家・画家・挿絵画家として活動し、児童書や出版美術の分野で広く知られるようになった美術家です。
梁川は戦前から戦後にかけて美術の道を歩み、彫刻を中心とした造形表現を基礎にしながら、絵画や挿絵の制作にも取り組みました。特に出版文化の発展とともに、児童書や文学作品の装画・挿絵などを手がけ、物語の世界観を視覚的に補う仕事で評価を得ました。
彼の作品は、写実性とともに人物や場面の雰囲気を丁寧に捉える点に特徴があり、立体作品で培われた造形感覚が平面表現にも生かされています。過度な装飾を避けた構成の中に、静かな緊張感や物語性を感じさせる表現が見られます。
また、彫刻家としての活動においても、人体表現を通じて生命感や存在感を探る制作を行い、立体と平面の双方で一貫した造形意識を持っていた点が評価されています。
梁川剛一は、日本の近代美術と出版美術の交差点に位置する作家の一人として、児童文化や挿絵表現の発展に寄与しました。
市川銕琅は、昭和に活躍した名工として知られています。
1901年に東京で生まれ、14歳で彫刻家・加納銕哉に師事しました。
19歳で師とともに奈良へ移り、「奈良一刀彫」などを基盤とした独自の作風を確立していきました。
写生力に富み、下書きなしで彫刻を仕上げるのが特徴です。
奈良人形、嵯峨人形などの影響を受けた丸彫りの作品や、金属・茶道具・扇面にモチーフを線刻した鉄筆彫刻などが代表的です。
絵画的な表現で愛され、1935年に患った紫斑病によって耳が不自由になった後も彫刻を続けたといいます。
主に注文品を手掛けていたため作品数は多くありませんが、高い技術と美意識から成る作品は、愛好家の間で高い評価を得ています。
マーク・コスタビ(Mark Kostabi)は、アメリカを代表する現代アーティストの一人で、画家として知られる一方、彫刻家や作曲家など幅広く活動しています。
1960年、カリフォルニア州ロサンゼルスに生まれ、カリフォニア州立大学フラートン校でデッサンと絵画を学びました。
1982年にニューヨークに移り、1980年代半ばにはイースト・ヴィレッジのアートシーンで注目を集めます。1984年には、ニューヨークの他のどのアーティストよりも多くの美術展に出展したことで、雑誌『イースト・ヴィレッジ・アイ』より「プロリフェレーション・プライズ(増殖賞)」を受賞しました。
コスタビの作品は、「顔のない」人物像を特徴としています。ジョルジョ・デ・キリコやフェルナン・レジェの影響を受けたその表現は、現代社会における人間の存在や匿名性を象徴的に描き出しています。
1988年にはニューヨークに「コスタビ・ワールド」と呼ばれる大規模なスタジオを設立しました。スタジオでは多くの絵画アシスタントやアイディアマンを雇用していることをオープンにしていました。
また、ガンズ・アンド・ローゼスやラモーンズなどのアーティストのアルバムアートワークを手がけたほか、スウォッチの腕時計など多くの商業デザインも担当しています。
さらに、1988年には自身の作曲によるピアノソロを発売するなど、その表現領域は多岐にわたります。
美術、音楽など多岐にわたる活動により、1980年代以降のアメリカ現代美術において、独自の存在感を示し続けています。
野沢薫（のざわ かおる）は、日本の創作こけし作家・木彫作家であり、伝統的なこけしの技法を基礎としながらも、現代的で詩情豊かな表現を追求した人物です。
とりわけ「人の内面」や「静かな感情」を感じさせる造形に定評があり、単なる土産物的なこけしとは一線を画しています。人物の佇まいや表情には、人間の感情の機微が込められており、伏し目がちで物思いに沈むような顔立ち、無表情に近いながらもどこか温もりを宿す造形が大きな特徴です。
そのため、鑑賞者によって「静けさ」「郷愁」「祈り」「孤独」など、受け取る印象が変化する点も高く評価されています。
また、伝統こけしの基本構造である頭部と胴体の構成を踏襲しながらも、デフォルメされた人体表現や彫刻的フォルム、現代美術的な空気感を巧みに取り入れており、「創作こけし」の中でも芸術性の高い作家の一人と位置付けられています。
